Paula

En nuestro último post estuvimos hablando sobre trucos para vencer cualquier pasaje que se nos resista.  Hoy, os voy a contar cómo me enfrento yo a una obra para estudiarla, paso a paso, tratando de invertir el menor tiempo posible pero exprimiendo cada esfuerzo al máximo.

Debéis tener en cuenta que damos por hecho que ya ha habido un calentamiento previo, es decir, he comprobado que mi postura es correcta, que mi columna de aire está activa y funcionando correctamente, que la caña responde a mis necesidades, etc.

Una vez que decido qué obra tocar, o mi profe me da una obra para que me estudie, los pasos que yo sigo son:

Escuchar la obra.

Lo primero que hago es buscar una versión de la obra en cuestión. Es importante acceder a versiones que den un mínimo de seguridad en su calidad. Por ello, recomiendo Spotify frente a YouTube, puesto que en este último podemos encontrar versiones muy caseras.

Lo primero que yo hago es dividir la partitura en frases. De esta forma, me enfrento frase a frase, una por una a la partitura.  Poco a poco iré uniendo esas frases.

La primera escucha la realizo sin partitura. Es una primera toma de contacto en la que, si no conocía al compositor, me hago una idea sobre el estilo que tiene, la instrumentación que emplea y la dificultad global a la que me enfrento.

En una segunda escucha, solfeo la partitura. De esta forma, si no tienes un oído muy fino para entonar una partitura según la vas leyendo, escuchar la música te ayuda a hacerte una idea de cómo suena aquello que vas a tocar.

Solfear y cantar antes de tocar es im-pres-cin-di-ble.  Pues nos ayuda a saber qué vamos a decir.

 

Una vez sabemos qué vamos a decir, debemos ver el cómo.

Repetir la obra de arriba a abajo no sirve de nada. Eso lo sabemos todos. Pero es posible no llegar al punto en el que hay un pasaje que no nos sale. Para ello, es importante saber cómo estudiar, para que no surjan los problemas. Y, en caso de que surjan, saber analizarlos (esto lo veremos en nuestro siguiente post).

Una vez hecho esto, entramos en harina:

Pues bien, es fundamental estudiar todo, y si digo todo es todo, legatto.  Es decir, imaginar que hay una ligadura entre cada nota, desde el principio hasta el final de la frase. Independientemente de que esa no sea la articulación real que está escrita.

Tocar legatto me va a permitir:

• Detectar si mis dedos se mueven correctamente. Es decir, si van juntos o hay alguno más vago que otro, y eso ensucia el pasaje.
• Construir el fraseo con mi aire. Si la presión o velocidad del aire no son correctos, tendremos un sonido feo o de poca calidad y desafinado.
• Si cantamos o le damos dirección a nuestro aire, haremos música. Si no hacemos esto sólo obtendremos una sucesión de notas. Una detrás de la otra, sin comunicar ningún mensaje.

Una vez que considero que he alcanzado la máxima calidad que puedo ofrecer en el legatto. Que me gusta mi sonido, que la afinación es correcta y que he construido un fraseo y sentido musical, me dispongo a tocar las articulaciones que el compositor indica, pero siempre con una articulación muy larga o picado-ligado.

 

 

El picado ligado es un paso intermedio entre el ligado y la articulación corta.

Es muy común que a la hora de querer picar se nos olvide la línea de aire y el fraseo que habíamos trabajado en el paso anterior se pierda. Por eso, este paso intermedio reforzará la línea pero incluyendo la acción de la lengua. Poco a poco vamos coordinando ambos conceptos, la horizontalidad de la línea de aire con la verticalidad de la articulación, sin que una oprima a la otra.

Por último, incluimos la articulación real, las consonantes de nuestro discurso, que ofrecerán carácter y elegancia a la línea que ya teníamos creada.

Y a ti, ¿te funcionan estos trucos?

Cuando pensamos en tocar un instrumento siempre nos imaginamos tocando nuestras canciones y obras favoritas, como si tocar fuese la cosa más fácil del mundo.  Pero nunca caemos en que para poder tocar con propiedad, no sólo nos esperan horas de estudio con el instrumento, sino también muchas horas de Lenguaje Musical, Armonía, Historia, Análisis, etc.

Muchas veces nos encontramos con alumnos que disfrutan tocando, pero que se aburren en la clase de Lenguaje Musical. Puede ser por varios motivos:

El primero: que no entiendan nada.  Están perdidos y, por lo tanto, se aburren.  No entienden por qué tienen que aprender a cantar, o a solfear en claves que ni siquiera son las que usan para tocar su instrumento.  Y mucho menos por qué tienen que conocer los tipos de escalas o incluso los tipos de acordes si su instrumento es monódico.

El segundo: ellos solo quieren tocar, todo lo demás les da igual. 

El tercero: las clases de Lenguaje Musical les resultan demasiado teóricas y poco prácticas.

Nosotros, como profesores de instrumento, podemos y debemos contribuir a que nuestros alumnos vayan a clase de Lenguaje con buena actitud, entendiendo que es igual o más importante que la propia clase de fagot, flauta o violín.

¿Cómo? Pues reforzando en clase aquellos contenidos que les cuesten más.  Siempre hay determinados aspectos del Lenguaje Musical que se les dan mejor y otros que se les dan peor.  Por ejemplo, un alumno puede ser muy bueno leyendo notas, pero tener dificultades en el ritmo. O viceversa.  O tener un oído muy fino y por lo tanto ser bueno en los dictados, pero no ser capaz de colocar bien la voz y ser un desastre cantando.

Los profesores de instrumento tenemos al alcance de la mano saber esos puntos fuertes y menos fuertes de nuestros alumnos.  Es importante que en clase de instrumento solfeen, entonen, hagan ritmo, conozcan las escalas en las que están las obras que tocan, etc.  De esta manera se darán cuenta de que esos conceptos que les parecen totalmente ajenos son necesarios para tocar.

Es muy común, que en clase de instrumento nos centremos en la técnica.  Las digitaciones, la embocadura, la afinación, la línea, etc.  Pero debemos tomarnos unos minutos para reforzar los conocimientos de lenguaje musical.  Y, si adoptamos una “rutina” podemos hacerlo de forma rápida y efectiva.  Por ejemplo:

1. Preguntar siempre en qué escala está el ejercicio u obra que van a tocar a continuación. Así, repasamos la lectura de las alteraciones de la armadura, “averiguamos” qué escala es, y evitamos que cada vez que salga la nota alterada la toquen natural.  Porque sí, todos sabemos que, al principio,  si no recalcamos que ciertas notas están alteradas se les olvida hacerlo.
2. Solfear siempre antes de tocar una obra. Es un paso imprescindible que deben realizar en casa cada vez que comienzan a estudiar algo nuevo.  Sin el instrumento.  Lo primero es solfear la partitura, para hacernos una idea de cómo suena e ir viendo las dificultades técnicas que nos encontraremos una vez cojamos el instrumento.  De esta forma no sólo encaran el estudio mejor, sino que entienden que lo que aprenden en lenguaje es necesario e imprescindible para tocar.  Repasan la lectura de notas, el ritmo y la entonación.
3. Cantar lo que hay que tocar. Hay veces que para los alumnos es muy complicado entonar.  Si tu alumno es de este perfil, no hay problema.  Podemos jugar al “Simon Dice”.  Empleo mucho este juego en clase. En este caso, el profesor toca la melodía del ejercicio y el alumno debe imitarlo cantando y leyendo a la vez lo que está cantando.  Así, a base de repetir, se dará cuenta de que es capaz de entonar y relacionará lo que entona con lo que lee.  Este ejercicio no sólo refuerza al alumno en su clase de Lenguaje, sino que nos ayuda a nosotros a que aprenda a afinar con su instrumento.

Por tanto, podemos concluir en que creo que es básico reforzar los conocimientos de Lenguaje Musical en clase de instrumento.  Dedicar un tiempo a hacer ejercicios de lenguaje va a facilitar al alumno su aprendizaje instrumental.  Y, es muy importante, que el alumno tenga confianza contigo como para decirte que X contenido de otra asignatura no se le da bien y que necesita ayuda. Es el tutor el que debe apoyarle en esto tanto en su aula como hablando con el profesor de Lenguaje para  establecer una estrategia de apoyo en común.

 

Hace un par de meses os hablamos sobre estos tres parámetros. Decíamos que son muy comunes a lo largo de la vida y, en la vida musical, son compañeros constantes de viaje.

Algunos de vosotros queréis saber cómo nos enfrentamos nosotras a ellos, qué hacemos para lidiar con la negatividad y cómo la convertimos en energía para seguir persiguiendo nuestras metas.

Lo más importante es hablar mucho con uno mismo.

Ser consciente de nuestros sentimientos y no dejarlos a un lado u obviarlos. Esto sólo provoca que se agranden y que se nos haga cuesta arriba enfrentarnos a ellos. Para empezar, como dijimos en el anterior post, sentir frustración, miedo y duda es lo más normal del mundo. Y, si sabes gestionarlos, puede ser hasta positivo. Pero para gestionarlos debemos enfrentarnos a ellos y ser conscientes de nuestros sentimientos en cada momento.

La frustración. Debemos saber diferenciar si las cosas que nos frustran son externas o ajenas a nosotros o si provienen de nuestras propias acciones.

Estas últimas son muy fácilmente solucionables. Si algo que nosotros mismos hacemos nos frustra, debemos analizar el por qué. Lo más probable sea que hayamos establecido como objetivo algo poco realista y que el no cumplimiento del mismo nos provoque ansiedad. Es muy enriquecedor aceptar que las metas propuestas no estaban dentro de nuestras posibilidades y pararse a pensar una nueva estrategia. De esta manera, no sólo vamos conociendo nuestros límites y expandiéndolos poco a poco, sino que desarrollamos nuestra capacidad de adaptación y solución de conflictos o problemas.

Si la frustración viene provocada por la acción de otros, sólo nos queda respirar y ser pacientes. Muchas veces nos ponemos nerviosos cuando tenemos que trabajar con alguien y ese alguien no hace las cosas como a nosotros nos gustaría. Lo siento, pero en el mundo artístico uno debe colaborar con mucha gente diferente y el nivel de competencia de cada uno varía. Debemos desarrollar la paciencia, la tolerancia y la educación, para poder trabajar de forma positiva con todo el mundo y no llenarnos de energía negativa, que sólo contaminará el ambiente de trabajo y manchará el recuerdo de ese proyecto en el que llevas trabajando tanto tiempo.

La inseguridad y el miedo… Quien diga que no lidia con ambos de forma continua en uno o muchos aspectos de su vida o está mintiendo o es un inconsciente.

Nosotras, nos debemos a nuestro público y nuestros alumnos y, por ello, todas las acciones que realizamos tienen el fin de hacerle disfrutar, conmoverle, inspirarle y transmitirle.

Hace unas semanas ofrecimos un concierto. Se trataba de un festival de verano en el que los conciertos son al aire libre. Mucha gente no sabe que para un músico de viento tocar al aire libre es una pesadilla. Está genial para estudiar, mejorar el sonido, la capacidad pulmonar, etc. Pero para ofrecer un concierto es horrible, pues todas las referencias acústicas que tienes en una sala cerrada desaparecen de repente. Se trata de tocar sin tener ningún tipo de feedback. No sabes cómo estas sonando y no escuchas bien a tus compañeros. Por no hablar de las dificultades técnicas como la sequedad en las cañas, el viento que se mete en el bisel de la flauta, los instrumentos se suben de afinación por el calor, etc.

Curiosamente, este concierto no sólo se llenó, sino que hubo mucha gente que se quedó sin poder escucharnos. Esto, junto con una nefasta prueba de sonido hizo que me pusiera muy nerviosa. En lugar de negarlo me senté y les dije a mis compañeros: “chicos, hacía mucho tiempo que no me ponía nerviosa antes de un concierto, pero estoy histérica. ¿Me ayudáis?”.

Y ahí que nos pusimos los tres a relajarnos, respirar, ser conscientes de que la situación no era ideal y creaba inseguridades, pero que esas emociones son normales y buenas. Y convertimos esas sensaciones, mediante el diálogo, la respiración y la relajación, en objetivos realistas para ese concierto: pasarlo bien, disfrutar de la preciosa música que estaba programada, de nosotros y de la oportunidad de reencontrarnos con el público madrileño. Simplemente, salir al escenario, olvidarse de las adversidades y hacer eso que habíamos trabajado en los ensayos: música.

Como dijimos en el post anterior sobre este tema, la duda es positiva si nos lleva a plantearnos otros caminos u opciones.

Dudar es sano y positivo, la búsqueda sólo nos alimenta y enriquece. Pero debemos dejar la duda para el momento de estudio e investigación. No creer lo primero que nos cuentan sin haberlo experimentado y comprobado. Eso sí, una vez que hemos decidido algo ya no hay lugar para dudas. Una vez que nos subimos al escenario, que llegamos al examen, que estamos frente al micro no existen dudas. Pues ya hemos decidido qué vamos a hacer, cómo lo vamos a hacer y qué esperamos conseguir con ello. Abrirle la puerta a la duda en ese momento es sinónimo de pifiarla. Y, aunque todos somos humanos y erramos sin que por ello deban juzgarnos, debemos hacer lo posible por evitar fallos, y sobre todo por ponernos piedras en el camino. Dudar en el momento decisivo siempre va a equivaler a errar.

La semana pasada leímos la opinión de mi compi sobre el empleo de la música pop en clase. Hoy, me toca a mí dar mi visión sobre este tema tan controvertido para los profes.

Todos nosotros estamos en contacto con la música pop, pues es la música por excelencia de nuestro tiempo. Escuchamos pop todos los días: en el autobús, en los centros comerciales, en la televisión, en el gimnasio, etc.

Personalmente, tengo una lucha interna con este tema, pues me considero muy purista a la hora de elegir el repertorio que les propongo a mis alumnos. A pesar de todo, sí creo que el pop es una herramienta muy útil para los profesores de instrumento.

Para empezar, porque podemos usarla para aprender solfeo.

El pop es un estilo muy pegadizo y nos sirve para trabajar el ritmo. En ocasiones, nos encontramos en la partitura ritmos nuevos, como tresillos, síncopas, hemiolias, etc. Algunos alumnos presentan dificultades con estos ritmos y, si les ofrecemos un ejemplo musical de una canción que conocen, les resulta mucho más fácil aprenderlo. Es el mismo truco que se emplea con los intervalos –aprender que la canción de “Pinocho fue a pescar” comienza con una cuarta justa-, pero extrapolado al ritmo.

 

Además, el pop es una de las herramientas clave a la hora de comenzar a aprender armonía.

Poner ejemplos sonoros a la teoría que aprendemos con este género es muy sencillo. Para aquellos que comienzan sus andadas en el mundo armónico, el pop es una primera parada, pues suele presentar una armonía muy básica, en la que reconocemos fácilmente la función de los acordes principales y alguna que otra modulación.

Este género me gusta mucho como recurso en el uso de las nuevas tecnologías en el aula.

Motivar al alumnado a buscar partituras de sus canciones favoritas y, después escribirlas en un editor de partituras para su propio instrumento, es una buena forma de comenzar a tener contacto con este tipo de programas. Una vez que se controla el manejo del programa, sólo depende de cada uno ponerse a crear sus propios arreglos o hacer únicamente una transcripción. Como hemos mencionado antes, la música pop es sencilla de arreglar, debido a que su armonía no suele ser compleja, así que es una buena forma de comenzar con los arreglos. Pero, ¿qué artista pop actual no graba sus canciones? Podemos completar la unidad didáctica con la grabación en audio y vídeo de ese arreglo o transcripción que han creado. De esta manera, aprenden a manejar plataformas de sonido y vídeo al igual que hacen sus cantantes favoritos.

El género pop puede servirnos también de puente hacia otras músicas del mundo.

Una vez hemos empezado a hacer una transcripción de una canción que el alumno haya elegido, podemos proponerle hacer una transcripción de músicas tradicionales, como el tango, las czardas, las jotas, las sardanas, las sicilianas, etc. Es muy importante para el músico conocer otros géneros musicales tradicionales, no sólo la música clásica. Y esta puede ser una forma de introducirse en el extenso mundo de la música tradicional popular.

Pero, como he dicho al principio, mi parte más clásica se pone un poco nerviosa cuando oye hablar de la música pop en clase de instrumento. El pop como herramienta sí. Es un recurso muy útil para conseguir diversos objetivos. Pero, en mi opinión, no nos sirve para conocer el lenguaje de la música clásica pues, aunque ambos son música, son idiomas muy diferentes. No coinciden las formas de frasear, la intención de las dinámicas, del mensaje, etc. El pop suele ser una música que necesita texto. La música clásica instrumental no se sirve del él para transmitir.  Creo que, si los alumnos se acostumbran a tocar pop en clase, porque es lo que es familiar y lo que les resulta más sencillo técnicamente, no van a aprender a transmitir el mensaje de la música compuesta para sus instrumentos. La música clásica es más ardua de abordar, pues nos suele resultar más ajena, no solemos estar en contacto con ella como lo estamos con el pop. Y, al ser más compleja armónica, técnica y musicalmente, también necesita de más estudio y tiempo para llegar a comprenderla, conocerla y hacerla nuestra. Si le damos a un alumno, especialmente si es pequeño, algo sencillo con lo que entretenerse, corremos el riesgo de perder su interés por seguir indagando en el mundo musical. Y más en los tiempos que corren, en los que queremos todo ya y ahora, y no tenemos paciencia e interés por el aprendizaje y el progreso.