instrumentos de viento

Hace un par de meses os hablamos sobre estos tres parámetros. Decíamos que son muy comunes a lo largo de la vida y, en la vida musical, son compañeros constantes de viaje.

Algunos de vosotros queréis saber cómo nos enfrentamos nosotras a ellos, qué hacemos para lidiar con la negatividad y cómo la convertimos en energía para seguir persiguiendo nuestras metas.

Lo más importante es hablar mucho con uno mismo.

Ser consciente de nuestros sentimientos y no dejarlos a un lado u obviarlos. Esto sólo provoca que se agranden y que se nos haga cuesta arriba enfrentarnos a ellos. Para empezar, como dijimos en el anterior post, sentir frustración, miedo y duda es lo más normal del mundo. Y, si sabes gestionarlos, puede ser hasta positivo. Pero para gestionarlos debemos enfrentarnos a ellos y ser conscientes de nuestros sentimientos en cada momento.

La frustración. Debemos saber diferenciar si las cosas que nos frustran son externas o ajenas a nosotros o si provienen de nuestras propias acciones.

Estas últimas son muy fácilmente solucionables. Si algo que nosotros mismos hacemos nos frustra, debemos analizar el por qué. Lo más probable sea que hayamos establecido como objetivo algo poco realista y que el no cumplimiento del mismo nos provoque ansiedad. Es muy enriquecedor aceptar que las metas propuestas no estaban dentro de nuestras posibilidades y pararse a pensar una nueva estrategia. De esta manera, no sólo vamos conociendo nuestros límites y expandiéndolos poco a poco, sino que desarrollamos nuestra capacidad de adaptación y solución de conflictos o problemas.

Si la frustración viene provocada por la acción de otros, sólo nos queda respirar y ser pacientes. Muchas veces nos ponemos nerviosos cuando tenemos que trabajar con alguien y ese alguien no hace las cosas como a nosotros nos gustaría. Lo siento, pero en el mundo artístico uno debe colaborar con mucha gente diferente y el nivel de competencia de cada uno varía. Debemos desarrollar la paciencia, la tolerancia y la educación, para poder trabajar de forma positiva con todo el mundo y no llenarnos de energía negativa, que sólo contaminará el ambiente de trabajo y manchará el recuerdo de ese proyecto en el que llevas trabajando tanto tiempo.

La inseguridad y el miedo… Quien diga que no lidia con ambos de forma continua en uno o muchos aspectos de su vida o está mintiendo o es un inconsciente.

Nosotras, nos debemos a nuestro público y nuestros alumnos y, por ello, todas las acciones que realizamos tienen el fin de hacerle disfrutar, conmoverle, inspirarle y transmitirle.

Hace unas semanas ofrecimos un concierto. Se trataba de un festival de verano en el que los conciertos son al aire libre. Mucha gente no sabe que para un músico de viento tocar al aire libre es una pesadilla. Está genial para estudiar, mejorar el sonido, la capacidad pulmonar, etc. Pero para ofrecer un concierto es horrible, pues todas las referencias acústicas que tienes en una sala cerrada desaparecen de repente. Se trata de tocar sin tener ningún tipo de feedback. No sabes cómo estas sonando y no escuchas bien a tus compañeros. Por no hablar de las dificultades técnicas como la sequedad en las cañas, el viento que se mete en el bisel de la flauta, los instrumentos se suben de afinación por el calor, etc.

Curiosamente, este concierto no sólo se llenó, sino que hubo mucha gente que se quedó sin poder escucharnos. Esto, junto con una nefasta prueba de sonido hizo que me pusiera muy nerviosa. En lugar de negarlo me senté y les dije a mis compañeros: “chicos, hacía mucho tiempo que no me ponía nerviosa antes de un concierto, pero estoy histérica. ¿Me ayudáis?”.

Y ahí que nos pusimos los tres a relajarnos, respirar, ser conscientes de que la situación no era ideal y creaba inseguridades, pero que esas emociones son normales y buenas. Y convertimos esas sensaciones, mediante el diálogo, la respiración y la relajación, en objetivos realistas para ese concierto: pasarlo bien, disfrutar de la preciosa música que estaba programada, de nosotros y de la oportunidad de reencontrarnos con el público madrileño. Simplemente, salir al escenario, olvidarse de las adversidades y hacer eso que habíamos trabajado en los ensayos: música.

Como dijimos en el post anterior sobre este tema, la duda es positiva si nos lleva a plantearnos otros caminos u opciones.

Dudar es sano y positivo, la búsqueda sólo nos alimenta y enriquece. Pero debemos dejar la duda para el momento de estudio e investigación. No creer lo primero que nos cuentan sin haberlo experimentado y comprobado. Eso sí, una vez que hemos decidido algo ya no hay lugar para dudas. Una vez que nos subimos al escenario, que llegamos al examen, que estamos frente al micro no existen dudas. Pues ya hemos decidido qué vamos a hacer, cómo lo vamos a hacer y qué esperamos conseguir con ello. Abrirle la puerta a la duda en ese momento es sinónimo de pifiarla. Y, aunque todos somos humanos y erramos sin que por ello deban juzgarnos, debemos hacer lo posible por evitar fallos, y sobre todo por ponernos piedras en el camino. Dudar en el momento decisivo siempre va a equivaler a errar.

La semana pasada leímos la opinión de mi compi sobre el empleo de la música pop en clase. Hoy, me toca a mí dar mi visión sobre este tema tan controvertido para los profes.

Todos nosotros estamos en contacto con la música pop, pues es la música por excelencia de nuestro tiempo. Escuchamos pop todos los días: en el autobús, en los centros comerciales, en la televisión, en el gimnasio, etc.

Personalmente, tengo una lucha interna con este tema, pues me considero muy purista a la hora de elegir el repertorio que les propongo a mis alumnos. A pesar de todo, sí creo que el pop es una herramienta muy útil para los profesores de instrumento.

Para empezar, porque podemos usarla para aprender solfeo.

El pop es un estilo muy pegadizo y nos sirve para trabajar el ritmo. En ocasiones, nos encontramos en la partitura ritmos nuevos, como tresillos, síncopas, hemiolias, etc. Algunos alumnos presentan dificultades con estos ritmos y, si les ofrecemos un ejemplo musical de una canción que conocen, les resulta mucho más fácil aprenderlo. Es el mismo truco que se emplea con los intervalos –aprender que la canción de “Pinocho fue a pescar” comienza con una cuarta justa-, pero extrapolado al ritmo.

 

Además, el pop es una de las herramientas clave a la hora de comenzar a aprender armonía.

Poner ejemplos sonoros a la teoría que aprendemos con este género es muy sencillo. Para aquellos que comienzan sus andadas en el mundo armónico, el pop es una primera parada, pues suele presentar una armonía muy básica, en la que reconocemos fácilmente la función de los acordes principales y alguna que otra modulación.

Este género me gusta mucho como recurso en el uso de las nuevas tecnologías en el aula.

Motivar al alumnado a buscar partituras de sus canciones favoritas y, después escribirlas en un editor de partituras para su propio instrumento, es una buena forma de comenzar a tener contacto con este tipo de programas. Una vez que se controla el manejo del programa, sólo depende de cada uno ponerse a crear sus propios arreglos o hacer únicamente una transcripción. Como hemos mencionado antes, la música pop es sencilla de arreglar, debido a que su armonía no suele ser compleja, así que es una buena forma de comenzar con los arreglos. Pero, ¿qué artista pop actual no graba sus canciones? Podemos completar la unidad didáctica con la grabación en audio y vídeo de ese arreglo o transcripción que han creado. De esta manera, aprenden a manejar plataformas de sonido y vídeo al igual que hacen sus cantantes favoritos.

El género pop puede servirnos también de puente hacia otras músicas del mundo.

Una vez hemos empezado a hacer una transcripción de una canción que el alumno haya elegido, podemos proponerle hacer una transcripción de músicas tradicionales, como el tango, las czardas, las jotas, las sardanas, las sicilianas, etc. Es muy importante para el músico conocer otros géneros musicales tradicionales, no sólo la música clásica. Y esta puede ser una forma de introducirse en el extenso mundo de la música tradicional popular.

Pero, como he dicho al principio, mi parte más clásica se pone un poco nerviosa cuando oye hablar de la música pop en clase de instrumento. El pop como herramienta sí. Es un recurso muy útil para conseguir diversos objetivos. Pero, en mi opinión, no nos sirve para conocer el lenguaje de la música clásica pues, aunque ambos son música, son idiomas muy diferentes. No coinciden las formas de frasear, la intención de las dinámicas, del mensaje, etc. El pop suele ser una música que necesita texto. La música clásica instrumental no se sirve del él para transmitir.  Creo que, si los alumnos se acostumbran a tocar pop en clase, porque es lo que es familiar y lo que les resulta más sencillo técnicamente, no van a aprender a transmitir el mensaje de la música compuesta para sus instrumentos. La música clásica es más ardua de abordar, pues nos suele resultar más ajena, no solemos estar en contacto con ella como lo estamos con el pop. Y, al ser más compleja armónica, técnica y musicalmente, también necesita de más estudio y tiempo para llegar a comprenderla, conocerla y hacerla nuestra. Si le damos a un alumno, especialmente si es pequeño, algo sencillo con lo que entretenerse, corremos el riesgo de perder su interés por seguir indagando en el mundo musical. Y más en los tiempos que corren, en los que queremos todo ya y ahora, y no tenemos paciencia e interés por el aprendizaje y el progreso.

 

Ser profe no es fácil.

Le damos vueltas a la cabeza todo el tiempo. ¿Cómo puedo enseñar este concepto de forma sencilla? ¿Cómo motivo a mi clase? ¿Por qué este alumno presenta estas dificultades y cómo las solucionamos? ¿…?

 

 

Una de las cosas más importantes de la labor de un profesor es el diseño de la programación anual. Es decir, establecer qué va a enseñar, por qué, en qué momento, de qué manera, con qué objetivos, de qué herramientas se va a servir para ello y cómo va a evaluar su acción y la asimilación del alumno.

Algo que para mí es fundamental es hacer de mis alumnos un intérprete limpio.

Y con esto me refiero a evitar desde el primer momento todo tipo de “vicios” que el cuerpo puede intentar adoptar a la hora de hermanarse con un instrumento.  El fagot, por ejemplo, es un instrumento bastante grande y algo aparatoso al principio, y conseguir que éste se convierta es una extensión de nuestro cuerpo lleva un tiempo.  Es común que los alumnos, especialmente si son pequeños, adopten posiciones erróneas de forma inconsciente. Muchos apoyan el dedo gordo derecho en la madera, como intentando sujetar el instrumento –cuando se sujeta solo con el arnés-, otros encogen algún dedo de forma inconsciente, a otros se les juntan los dedos de la mano derecha, en lugar de quedarse relajados sobre cada una de sus llaves, etc.

 

Hay algo que me llama mucho la atención y es que algunos profesores enseñan las cosas “a medias”.

En fagot es muy común enseñar las notas del registro medio y agudo sin el uso de la llave de octava o de las llaves de resonancia. Esto supone tocar la nota “a medias”, pues nos falta una llave que es fundamental para que estas notas suenen bien y afinadas. Si no la empleamos obligamos a los alumnos a compensar con la embocadura, la lengua y la garganta su falta. Los que me conocéis sabéis que toco siguiendo la técnica de Ole K. Dahl, que implica la no compensación con cualquier parte del cuerpo, y que sólo se basa en el uso de la presión del aire para tocar. Pero no vamos a entrar en eso. Lo que quiero decir es que no entiendo por qué no se enseñan los contenidos nuevos de forma completa y correcta.

 

Desde la experiencia como alumna

sé lo difícil que es incluir una simple llave a una nota que se supone que sabía hacer desde hacía años. Aún hoy en día descubro en ocasiones que mi dedo gordo está haciendo el vago y no se coloca donde debe. ¿Cómo le explicas a alguien, que lleva tiempo escribiendo cogiendo el lápiz mal, que así no se hace y que ahora, aunque es capaz de escribir, debe poner los dedos de forma diferente? Es dificilísimo cambiar esos “vicios” que hemos aprendido siguiendo las instrucciones de nuestro profesor.

Desde la experiencia como profesora

he corroborado que a los alumnos, independientemente de su edad, no les supone mayor dificultad aprender las digitaciones correctas.

Por tanto, creo que usar “trucos” de digitaciones más sencillas al principio, para luego complicarlas no es nada positivo. Si necesitamos un poco más de paciencia al principio para asimilar un concepto nuevo no pasa nada pero, por favor, aprendámoslo bien desde el principio. Un buen ejemplo sería el empleo del teclado del ordenador. ¿Cuántos de nosotros escribimos con dos o tres deditos? ¿Cuántas veces hemos tratado de aprender a mecanografiar correctamente, pero por la falta de paciencia volvemos a escribir como ya “sabemos”? Con los instrumentos pasa lo mismo, una vez que “sabemos” tocar, es muy complicado tener paciencia para parar y volver a aprender a tocar de forma correcta.

Evitar “vicios” es fundamental para hacer de nuestro alumno un intérprete limpio y sin dificultades técnicas añadidas.

Tratar de facilitarle el aprendizaje de una digitación, simplificándola, no sólo no le ayuda, sino que en muchas ocasiones entorpece y ralentiza su aprendizaje. Es mucho más sencillo aprender algo una vez, que corregirlo una vez creemos que lo conocemos.

Yo soy de SI, pero hay que ver cómo utilizar este arma tan efectiva de motivación. Como decía mi abuela, comer verdura es bueno, pero hay 3 matices en esa frase, cuánta, cuándo y cómo.

¿Con cuánta música pop vas a alimentar a tus alumnos?

Una canción de moda puede ayudar a tu alumno a aprender ritmos nuevos y notas nuevas. En mi opinión, una o dos notas nuevas en una canción es la medida perfecta. Respecto al ritmo, depende de las ganas que tenga el alumno de tocar esa canción. Podemos incluir hasta 2 ritmos nuevos.

¿Cuándo es un buen momento para trabajar una canción “no tan clásica”?

Dependiendo de la fase del curso en la que te encuentres, yo recomendaría una al mes o una cada dos meses, aunque siempre es combinable dependiendo los objetivos que trabajes.

A principio de cada trimestre,  los alumnos no están tan cansados y agobiados y es en este momento cuando debemos trabajar más intensamente técnica, estudios y obras “clásicas”.

¿Cómo, con que objetivo?

1. Notas o ritmos nuevos

Yo recomendaría que no fueran más de 3 los nuevos “conocimientos” a adquirir por el alumnado.

2. El oído

Una vez cada 2 o 3 meses os recomiendo motivar y ayudar al alumno a sacar de oído su canción favorita. Y con ayudar, me refiero a eso: ayudar.  No sacarla tú en tu casa y luego darle la partitura. Primero, hay que ayudarle dándole la primera nota y la tonalidad de la misma. Lo mejor de la música pop es que rara vez pasa de los cuatro acordes básicos y pocas veces utiliza notas que no están en la escala. Es una manera genial de hacer dictados melódicos con tus alumnos

3. Psicomotricidad y memoria

Un objetivo muy divertido. Cuando tocas una canción muchas veces, o incluso la “sacas de oído” puedes tocarla de memoria y moverte al ritmo de la música o, incluso, tocar otro ritmo con las piernas (o con la otra mano, en caso de poder tocar tu instrumento con 3 dedos) :p

4. Creatividad

¿Por qué sólo puede haber grupos de rock y pop? Esto deja fuera a muchos músicos igual de capaces, pero que por su instrumento, se les ha encasillado dentro de la música clásica. Gracias a YouTube y a muchos buenos músicos, se va desmitificando eso de que el instrumento orquestal solo sirve para la música clásica.

Siempre he pensado que cuando dominas tu instrumento para poder tocar música clásica y, especialmente, música de cámara que, ya sabéis que es mi favorita, eres capaz de tocar música de otro tipo. Especialmente música con un lenguaje más sencillo, como el del pop o el del rock, sin desmerecer a ninguno de ellos.

5. Motivación

No sé qué hubiera hecho yo sin los playalongs de verano o  sin poder sacar mi canción favorita. Tengo un buen recuerdo de grabarlas de la radio y rebobinar tantas veces la cinta que hasta dejaba de sonar. Si, todavía se usaban cintas de casete en esa época. Esto me hacía pasar el largo verano sonriendo cuando me llevaba mi flauta de vacaciones.

Os contaré un secreto, a el día de hoy solo he vivido dos veranos sin mi flauta desde que empecé a tocar con 11 años, y en ningún momento me obligaron mis padres a llevarla. ☺

 

 

Hay una frase que los músicos escuchamos mucho: “qué suerte tienes, te dedicas a lo que te gusta”.  Y sí, tenemos la suerte de dedicarnos a lo que hemos elegido.  Supongo, que como la gran mayoría de la población de nuestro tiempo, ¿no?.  Entonces, ¿por qué un electricista, un abogado o un piloto no escuchan ese comentario?.  Hay mucha gente que no entiende que detrás de tocar un instrumento hay mucho estudio constante y diario.  Y piensa que ser músico sólo significa subirse al escenario de vez en cuando a pasarlo bien.

Pues nada más lejos de la realidad.   Un músico, si quiere mantenerse en forma y estar a su mayor nivel de manera constante, debe estudiar diariamente.  Y estudiar no significa tocar las obras que te gustan.  No.  Estudiar significa hacer escalas y ejercicios de técnica, y sino, que se lo pregunten a mis vecinos.  Y sí, es un aburrimiento para todos nosotros, no nos gusta y nos da pereza hacer lo mismo todos los días.

Aquí es donde entra la motivación.  Para un instrumentista es básico mantener la motivación con su instrumento, con su carrera, con su trabajo.  Pero claro, algunos llevamos ya años estudiando las mismas escalas porque, como sabéis, no son infinitas sino que hay las que hay, no más.  Y sin ganas de estudiar, sin una motivación que nos empuje a ponernos a estudiar, no hay quien nos levante del sillón. ¿Cómo conseguimos motivarnos?

 

Lo primero, es marcarse objetivos a corto o medio plazo.  La mejor manera de mantener el nivel es encontrar cosas que queremos tocar.  Esto requiere que estudiemos nuestra técnica y nos mantengamos en forma y, además, amplía nuestros conocimientos de literatura musical.

Es importante no dejar de buscar repertorio. Cuando estamos estudiando los objetivos los marcan nuestros profesores.  Pero una vez que dejamos de estudiar, somos nosotros mismos los que debemos seguir investigando en el repertorio de nuestro instrumento.  No es necesario que sean obras de solista, también podemos investigar en el repertorio de música de cámara o en el orquestal.  Es cierto, que si no hay una culminación para dicho objetivo, es decir, un concierto o un recital en el que podamos mostrar al público las nuevas obras, es muy difícil ponerse a estudiar.  Pero para eso hay solución.  En casi todas las ciudades de España hay posibilidades de montar un recital sin ánimo de lucro en las casas de la cultura, y eso puede ser una buena forma de culminar nuestro estudio.  Y si no, hacemos llamamiento a nuestros amigos y familiares, montamos una merienda musical y juntamos comida y música en una velada inolvidable.

Por otro lado, tenemos el mayor de los objetivos a título individual: las oposiciones.  Ya sean oposiciones de orquesta o de profesorado debemos mostrar nuestro mejor nivel al tribunal para poder ganar la plaza.  En este caso, creo que no es necesario hablar de la motivación que nos mueve a estudiar como si no hubiera un mañana.

Otro aspecto que puede ayudar a motivarnos es rodearnos de gente que toque mejor que nosotros.  Es decir, cuando escuchamos a gente a la que admiramos musicalmente, nos inspiramos, y nos entran ganas de ir corriendo a casa a estudiar, para poder transmitir con nuestros instrumentos como nos ha transmitido el músico al que acabamos de escuchar.  Lo que nos pasa en realidad, es que al escuchar a alguien que nos inspira instrumentalmente, nos damos cuenta de que nuestro límite de calidad musical está aún por alcanzar, y que aún hay mucho margen para seguir mejorando día a día.  No siempre se trata de ir a escuchar a celebridades o grandes orquestas.  A veces tocar con gente más mayor, de cursos superiores, o incluso con compañeros que han estudiado en otras ciudades puede ayudarnos, pues aportan aire fresco en nuestra rutina.

Una manera que yo tengo de mantener mi motivación con el estudio de mi instrumento al máximo es el Duo Almira.  Hay veces en las que me aburro de tocar sola.  Estudiar el repertorio que estoy tocando con la orquesta o la preparación de oposiciones puede terminar siendo monótono y minar mi motivación.  Ya sabéis que para mí Almira es mi sueño, que sería la persona más feliz del mundo si pudiera dedicarme en exclusiva a ello.  Por eso, cuando mi motivación individual flojea, me zambullo en nuestro repertorio, nuestros conciertos, nuestros vídeos, nuestro blog.  Esto me ayuda a motivarme porque me doy cuenta de que quiero ser mejor fagotista de lo que soy para poder seguir comunicando con nuestro público y seguir emocionándolo. 

Así que corre, busca tus objetivos y lucha por tus sueños, pues son ellos los que mantendrán tu motivación bien cargada.