música

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En la actualidad, hay mucha movilidad y opciones para estudiar, y muchos de nosotros hemos tenido que decidir entre embarcarnos en nuevos caminos en el extranjero o quedarnos en nuestras ciudades de  origen.

Para cualquier estudio, recomendaría elegir un destino que pueda darme un punto extra en mi currículum.

Con el panorama laboral que tenemos en Europa ya no eres especial por tener varias carreras o másters. Somos la generación del estudio eterno. Por eso mismo, si decides salir de tu ciudad para estudiar, busca un destino que pueda hacerte diferente.

Diferente porque la universidad en sí tenga mucho prestigio en tu carrera, o porque el profesor con el que vas a estudiar (en caso de música) sea muy destacado en el mundo pedagógico u orquestal, y pueda ofrecerte cierto “estatus social”.

Muchos de vosotros pensaréis: qué tontería eso del estatus social. Pues no lo es… Desgraciadamente la sociedad actual se deja influenciar mucho por las apariencias y, a la hora de presentarte, no será lo mismo que digas que has estudiado con un profesor reconocido que con uno desconocido. Sin siquiera haberte escuchado, pensaran que tocas bien si has estudiado con alguien con nombre y no te prestarán tanta atención si no conocen a tu maestro, por muy bueno que sea.

Por otro lado, irse supone perder los contactos que tengas en tu ciudad, y empezar de cero.

El mundo musical depende en un porcentaje alto de la cantidad de gente que te conozca. Los bolos surgen cuando estás en las agendas de aquellos que cierran las plantillas de las orquestas, bien porque hayas ganado las pruebas de bolsa de trabajo o bien porque alguien te haya recomendado. Ser nuevo en otra ciudad o país implica empezar de cero y, según sea tu capacidad de socialización, tardarás un tiempo en conseguir trabajo.

Por último, no debemos olvidar que los españoles solemos ser muy negativos con lo propio. Siempre pensamos que en los demás países se vive mejor que en el nuestro, que en Europa las condiciones laborales y las oportunidades son mucho mayores que en España. Y hay que relativizar.

¿El nivel de los demás países es mejor que el nuestro? Pues depende de cada persona, hay gente buena en todas partes. Pero es cierto que los españoles solemos dar miedo en las pruebas de orquesta en Europa, pues somos muy musicales y tenemos muy buena formación, lo que hace que demos guerra.

¿Hay más bolos en Alemania que en España? Pues depende del lugar.

¿Se paga mejor? Puede que en relación a las horas de ensayo se pague más en Alemania, pero tampoco muchísimo más y muchas veces pagan en negro, por lo que no se cotiza…

¿Los bolos son de mayor calidad? No tiene por qué, allí también hay cosas de muy mala calidad y con una organización que deja mucho que desear.

Por tanto, es importante que pensemos bien en lo que tenemos en nuestra ciudad de origen y si eso es lo que necesitamos y buscamos.

No es bueno irse sin pensar, estar obsesionado con lo bueno que es el extranjero y lo malo que es lo que tenemos. Muchos de nosotros nos fuimos a Europa a estudiar un máster, porque aquí en España no había aún máster musical. Pero a la hora de volver mucha gente se da cuenta de que aunque sea su hogar ha perdido el hilo que le unía a él y que ya no hay sitio para él, hay que empezar de cero, con paciencia.

Algunos compañeros que no se fueron al extranjero a estudiar han conseguido su plaza de trabajo en el tiempo que otros estaban estudiando. Otros no han conseguido más que malvivir con los bolos que hay en sus ciudades… ¿Quién tomó la mejor decisión? Todo depende del contexto y circunstancias de cada uno.

¿Nuestra recomendación? Informarse muy bien antes de tomar cualquier decisión. Ser objetivo con lo que tenemos y lo que necesitamos y perseguimos, y tomar las decisiones con calma y cabeza.

 

 

En nuestro último post estuvimos hablando sobre trucos para vencer cualquier pasaje que se nos resista.  Hoy, os voy a contar cómo me enfrento yo a una obra para estudiarla, paso a paso, tratando de invertir el menor tiempo posible pero exprimiendo cada esfuerzo al máximo.

Debéis tener en cuenta que damos por hecho que ya ha habido un calentamiento previo, es decir, he comprobado que mi postura es correcta, que mi columna de aire está activa y funcionando correctamente, que la caña responde a mis necesidades, etc.

Una vez que decido qué obra tocar, o mi profe me da una obra para que me estudie, los pasos que yo sigo son:

Escuchar la obra.

Lo primero que hago es buscar una versión de la obra en cuestión. Es importante acceder a versiones que den un mínimo de seguridad en su calidad. Por ello, recomiendo Spotify frente a YouTube, puesto que en este último podemos encontrar versiones muy caseras.

Lo primero que yo hago es dividir la partitura en frases. De esta forma, me enfrento frase a frase, una por una a la partitura.  Poco a poco iré uniendo esas frases.

La primera escucha la realizo sin partitura. Es una primera toma de contacto en la que, si no conocía al compositor, me hago una idea sobre el estilo que tiene, la instrumentación que emplea y la dificultad global a la que me enfrento.

En una segunda escucha, solfeo la partitura. De esta forma, si no tienes un oído muy fino para entonar una partitura según la vas leyendo, escuchar la música te ayuda a hacerte una idea de cómo suena aquello que vas a tocar.

Solfear y cantar antes de tocar es im-pres-cin-di-ble.  Pues nos ayuda a saber qué vamos a decir.

 

Una vez sabemos qué vamos a decir, debemos ver el cómo.

Repetir la obra de arriba a abajo no sirve de nada. Eso lo sabemos todos. Pero es posible no llegar al punto en el que hay un pasaje que no nos sale. Para ello, es importante saber cómo estudiar, para que no surjan los problemas. Y, en caso de que surjan, saber analizarlos (esto lo veremos en nuestro siguiente post).

Una vez hecho esto, entramos en harina:

Pues bien, es fundamental estudiar todo, y si digo todo es todo, legatto.  Es decir, imaginar que hay una ligadura entre cada nota, desde el principio hasta el final de la frase. Independientemente de que esa no sea la articulación real que está escrita.

Tocar legatto me va a permitir:

• Detectar si mis dedos se mueven correctamente. Es decir, si van juntos o hay alguno más vago que otro, y eso ensucia el pasaje.
• Construir el fraseo con mi aire. Si la presión o velocidad del aire no son correctos, tendremos un sonido feo o de poca calidad y desafinado.
• Si cantamos o le damos dirección a nuestro aire, haremos música. Si no hacemos esto sólo obtendremos una sucesión de notas. Una detrás de la otra, sin comunicar ningún mensaje.

Una vez que considero que he alcanzado la máxima calidad que puedo ofrecer en el legatto. Que me gusta mi sonido, que la afinación es correcta y que he construido un fraseo y sentido musical, me dispongo a tocar las articulaciones que el compositor indica, pero siempre con una articulación muy larga o picado-ligado.

 

 

El picado ligado es un paso intermedio entre el ligado y la articulación corta.

Es muy común que a la hora de querer picar se nos olvide la línea de aire y el fraseo que habíamos trabajado en el paso anterior se pierda. Por eso, este paso intermedio reforzará la línea pero incluyendo la acción de la lengua. Poco a poco vamos coordinando ambos conceptos, la horizontalidad de la línea de aire con la verticalidad de la articulación, sin que una oprima a la otra.

Por último, incluimos la articulación real, las consonantes de nuestro discurso, que ofrecerán carácter y elegancia a la línea que ya teníamos creada.

Y a ti, ¿te funcionan estos trucos?

Cuando pensamos en tocar un instrumento siempre nos imaginamos tocando nuestras canciones y obras favoritas, como si tocar fuese la cosa más fácil del mundo.  Pero nunca caemos en que para poder tocar con propiedad, no sólo nos esperan horas de estudio con el instrumento, sino también muchas horas de Lenguaje Musical, Armonía, Historia, Análisis, etc.

Muchas veces nos encontramos con alumnos que disfrutan tocando, pero que se aburren en la clase de Lenguaje Musical. Puede ser por varios motivos:

El primero: que no entiendan nada.  Están perdidos y, por lo tanto, se aburren.  No entienden por qué tienen que aprender a cantar, o a solfear en claves que ni siquiera son las que usan para tocar su instrumento.  Y mucho menos por qué tienen que conocer los tipos de escalas o incluso los tipos de acordes si su instrumento es monódico.

El segundo: ellos solo quieren tocar, todo lo demás les da igual. 

El tercero: las clases de Lenguaje Musical les resultan demasiado teóricas y poco prácticas.

Nosotros, como profesores de instrumento, podemos y debemos contribuir a que nuestros alumnos vayan a clase de Lenguaje con buena actitud, entendiendo que es igual o más importante que la propia clase de fagot, flauta o violín.

¿Cómo? Pues reforzando en clase aquellos contenidos que les cuesten más.  Siempre hay determinados aspectos del Lenguaje Musical que se les dan mejor y otros que se les dan peor.  Por ejemplo, un alumno puede ser muy bueno leyendo notas, pero tener dificultades en el ritmo. O viceversa.  O tener un oído muy fino y por lo tanto ser bueno en los dictados, pero no ser capaz de colocar bien la voz y ser un desastre cantando.

Los profesores de instrumento tenemos al alcance de la mano saber esos puntos fuertes y menos fuertes de nuestros alumnos.  Es importante que en clase de instrumento solfeen, entonen, hagan ritmo, conozcan las escalas en las que están las obras que tocan, etc.  De esta manera se darán cuenta de que esos conceptos que les parecen totalmente ajenos son necesarios para tocar.

Es muy común, que en clase de instrumento nos centremos en la técnica.  Las digitaciones, la embocadura, la afinación, la línea, etc.  Pero debemos tomarnos unos minutos para reforzar los conocimientos de lenguaje musical.  Y, si adoptamos una “rutina” podemos hacerlo de forma rápida y efectiva.  Por ejemplo:

1. Preguntar siempre en qué escala está el ejercicio u obra que van a tocar a continuación. Así, repasamos la lectura de las alteraciones de la armadura, “averiguamos” qué escala es, y evitamos que cada vez que salga la nota alterada la toquen natural.  Porque sí, todos sabemos que, al principio,  si no recalcamos que ciertas notas están alteradas se les olvida hacerlo.
2. Solfear siempre antes de tocar una obra. Es un paso imprescindible que deben realizar en casa cada vez que comienzan a estudiar algo nuevo.  Sin el instrumento.  Lo primero es solfear la partitura, para hacernos una idea de cómo suena e ir viendo las dificultades técnicas que nos encontraremos una vez cojamos el instrumento.  De esta forma no sólo encaran el estudio mejor, sino que entienden que lo que aprenden en lenguaje es necesario e imprescindible para tocar.  Repasan la lectura de notas, el ritmo y la entonación.
3. Cantar lo que hay que tocar. Hay veces que para los alumnos es muy complicado entonar.  Si tu alumno es de este perfil, no hay problema.  Podemos jugar al “Simon Dice”.  Empleo mucho este juego en clase. En este caso, el profesor toca la melodía del ejercicio y el alumno debe imitarlo cantando y leyendo a la vez lo que está cantando.  Así, a base de repetir, se dará cuenta de que es capaz de entonar y relacionará lo que entona con lo que lee.  Este ejercicio no sólo refuerza al alumno en su clase de Lenguaje, sino que nos ayuda a nosotros a que aprenda a afinar con su instrumento.

Por tanto, podemos concluir en que creo que es básico reforzar los conocimientos de Lenguaje Musical en clase de instrumento.  Dedicar un tiempo a hacer ejercicios de lenguaje va a facilitar al alumno su aprendizaje instrumental.  Y, es muy importante, que el alumno tenga confianza contigo como para decirte que X contenido de otra asignatura no se le da bien y que necesita ayuda. Es el tutor el que debe apoyarle en esto tanto en su aula como hablando con el profesor de Lenguaje para  establecer una estrategia de apoyo en común.

 

Hace un par de meses os hablamos sobre estos tres parámetros. Decíamos que son muy comunes a lo largo de la vida y, en la vida musical, son compañeros constantes de viaje.

Algunos de vosotros queréis saber cómo nos enfrentamos nosotras a ellos, qué hacemos para lidiar con la negatividad y cómo la convertimos en energía para seguir persiguiendo nuestras metas.

Lo más importante es hablar mucho con uno mismo.

Ser consciente de nuestros sentimientos y no dejarlos a un lado u obviarlos. Esto sólo provoca que se agranden y que se nos haga cuesta arriba enfrentarnos a ellos. Para empezar, como dijimos en el anterior post, sentir frustración, miedo y duda es lo más normal del mundo. Y, si sabes gestionarlos, puede ser hasta positivo. Pero para gestionarlos debemos enfrentarnos a ellos y ser conscientes de nuestros sentimientos en cada momento.

La frustración. Debemos saber diferenciar si las cosas que nos frustran son externas o ajenas a nosotros o si provienen de nuestras propias acciones.

Estas últimas son muy fácilmente solucionables. Si algo que nosotros mismos hacemos nos frustra, debemos analizar el por qué. Lo más probable sea que hayamos establecido como objetivo algo poco realista y que el no cumplimiento del mismo nos provoque ansiedad. Es muy enriquecedor aceptar que las metas propuestas no estaban dentro de nuestras posibilidades y pararse a pensar una nueva estrategia. De esta manera, no sólo vamos conociendo nuestros límites y expandiéndolos poco a poco, sino que desarrollamos nuestra capacidad de adaptación y solución de conflictos o problemas.

Si la frustración viene provocada por la acción de otros, sólo nos queda respirar y ser pacientes. Muchas veces nos ponemos nerviosos cuando tenemos que trabajar con alguien y ese alguien no hace las cosas como a nosotros nos gustaría. Lo siento, pero en el mundo artístico uno debe colaborar con mucha gente diferente y el nivel de competencia de cada uno varía. Debemos desarrollar la paciencia, la tolerancia y la educación, para poder trabajar de forma positiva con todo el mundo y no llenarnos de energía negativa, que sólo contaminará el ambiente de trabajo y manchará el recuerdo de ese proyecto en el que llevas trabajando tanto tiempo.

La inseguridad y el miedo… Quien diga que no lidia con ambos de forma continua en uno o muchos aspectos de su vida o está mintiendo o es un inconsciente.

Nosotras, nos debemos a nuestro público y nuestros alumnos y, por ello, todas las acciones que realizamos tienen el fin de hacerle disfrutar, conmoverle, inspirarle y transmitirle.

Hace unas semanas ofrecimos un concierto. Se trataba de un festival de verano en el que los conciertos son al aire libre. Mucha gente no sabe que para un músico de viento tocar al aire libre es una pesadilla. Está genial para estudiar, mejorar el sonido, la capacidad pulmonar, etc. Pero para ofrecer un concierto es horrible, pues todas las referencias acústicas que tienes en una sala cerrada desaparecen de repente. Se trata de tocar sin tener ningún tipo de feedback. No sabes cómo estas sonando y no escuchas bien a tus compañeros. Por no hablar de las dificultades técnicas como la sequedad en las cañas, el viento que se mete en el bisel de la flauta, los instrumentos se suben de afinación por el calor, etc.

Curiosamente, este concierto no sólo se llenó, sino que hubo mucha gente que se quedó sin poder escucharnos. Esto, junto con una nefasta prueba de sonido hizo que me pusiera muy nerviosa. En lugar de negarlo me senté y les dije a mis compañeros: “chicos, hacía mucho tiempo que no me ponía nerviosa antes de un concierto, pero estoy histérica. ¿Me ayudáis?”.

Y ahí que nos pusimos los tres a relajarnos, respirar, ser conscientes de que la situación no era ideal y creaba inseguridades, pero que esas emociones son normales y buenas. Y convertimos esas sensaciones, mediante el diálogo, la respiración y la relajación, en objetivos realistas para ese concierto: pasarlo bien, disfrutar de la preciosa música que estaba programada, de nosotros y de la oportunidad de reencontrarnos con el público madrileño. Simplemente, salir al escenario, olvidarse de las adversidades y hacer eso que habíamos trabajado en los ensayos: música.

Como dijimos en el post anterior sobre este tema, la duda es positiva si nos lleva a plantearnos otros caminos u opciones.

Dudar es sano y positivo, la búsqueda sólo nos alimenta y enriquece. Pero debemos dejar la duda para el momento de estudio e investigación. No creer lo primero que nos cuentan sin haberlo experimentado y comprobado. Eso sí, una vez que hemos decidido algo ya no hay lugar para dudas. Una vez que nos subimos al escenario, que llegamos al examen, que estamos frente al micro no existen dudas. Pues ya hemos decidido qué vamos a hacer, cómo lo vamos a hacer y qué esperamos conseguir con ello. Abrirle la puerta a la duda en ese momento es sinónimo de pifiarla. Y, aunque todos somos humanos y erramos sin que por ello deban juzgarnos, debemos hacer lo posible por evitar fallos, y sobre todo por ponernos piedras en el camino. Dudar en el momento decisivo siempre va a equivaler a errar.